Муниципальное бюджетное

учреждение дополнительного образования

«Мачешанская детская музыкальная школа

Методическая разработка

Тема: «Основные принципы работы над фортепианным

ансамблем»

Составитель: Косовцева Валентина Николаевна

преподаватель фортепиано

Муниципального бюджетного учреждения

дополнительного образования детей

«Мачешанская ДМШ»

с. Мачеха 2017 г

Содержание:

1.Актуальность

2. Процесс работы над произведением для фортепианного ансамбля

3. Заключение.

5. Список литературы

Актуальность

В современных условиях музыкальная школа является одной

из основных баз

широкого распространения музыкальной культуры. Цель школы общего музыкального

образования - сделать музыку достоянием не только одарённых детей, которые изберут её

своей профессией, но и всех тех, кто обучается в ней. Многие учащиеся за все годы

обучения в школе по причине недостатка игровых навыков, необходимых данных или

работоспособности не имеют возможности выступать как солисты в школьных концертах.

Не редки и другие случаи, когда общее развитие учащихся опережает их исполнительские

возможности. Это не удовлетворяет учащихся, и

в свою очередь, приводит к потере

интереса в занятиях. Игра же в ансамблях делает их равноправными исполнителями и

независимо

от

степени

трудности

партий

даёт

возможность

выступления

на

самых

ответственных концертах, стимулируя тем самым учебный процесс, способствуя успехам

в занятиях. Игра на фортепиано в четыре руки – это вид совместного музицирования,

которым занимались во все времена при каждом удобном случае и на любом уровне

владения инструментом, который приносит ни с чем не сравнимую радость совместного

творчества. Само слово "ансамбль" в переводе с французского языка означает "единство"

Ансамблевое музицирование учит слушать партнёра, учит музыкальному мышлению: это

искусство вести диалог с партнёром, т.е. понимать друг друга, уметь вовремя подавать

реплики

и

вовремя

уступать.

Если

это

искусство

в

процессе

обучения

постигается

ребёнком, то можно надеяться, что он успешно освоит специфику игры на фортепиано.

«Вхождение в музыку» и выражение в ней себя для маленьких детей всегда эффективнее в

коллективе.

Видя

реакцию

своих

товарищей,

ребенок

включается

как

бы

в

игру,

естественнее взаимодействует с ними, воспринимает музыку гораздо внимательнее и

полнее, чем наедине со взрослыми. Чем разнообразнее собравшиеся у инструмента дети,

тем лучше они себя проявляют во всем объеме своей маленькой личности. Не следует

забывать и то, что со стороны ребенок лучше и легче улавливает, видит, понимает. А

желание не отстать, опередить товарища открывает зачастую дополнительные скрытые

для педагога резервы». (А. Артоболевская).

Процесс работы над произведением для фортепианного ансамбля

“Изучение произведения – процесс сложен и неоднороден” – пишет профессор

Петербуржской консерватории В.Х. Разумовская.

Процесс работы ансамбля над произведением можно условно распределить на три этапа,

которые в практике очень тесно связаны между собой:

а) Знакомство ансамбля с произведением в целом.

б) Техническое освоение выразительных средств.

в) Работа над воплощением художественного образа произведения:

Работа

над

музыкальным

произведением

начинается

с

его

прослушивания.

Основной задачей

первого этапа является создание у участников ансамбля общего

интеллектуального и эмоционального впечатления от произведения в целом. Здесь педагог

должен

познакомить

учащихся

с

создателем

произведения,

эпохой,

в

которой

оно

возникло, стилистическими особенностями письма и требуемой манерой исполнения,

характером произведения, его формой, основными темами. Эту беседу следует построить

очень живо, интересно, приводя в качестве иллюстрации фрагменты произведения в

собственном исполнении. Необходимо предупредить участников о трудностях, с которыми

им предстоит встретиться, и рассказать, как их преодолеть.

Следующий этап - преодоление ансамблем технических трудностей, что

подразумевает в первую очередь синхронность исполнения.

Синхронность является первым техническим требованием совместной игры. Под

синхронностью ансамблевого звучания понимается совпадение с предельной точностью

мельчайших длительностей (звуков, пауз) у обоих исполнителей. Синхронность является

результатом

важнейших

качеств

ансамбля

–

единого

понимания

темпа

и

ритма.

Синхронность вступления и снятия звука достигается значительно легче, если партнёры

правильно чувствуют темп ещё до начала игры.

Также нельзя недооценить огромное выразительное значение паузы. Недооценка

его – весьма распространенный недостаток среди учащихся. Пауза – это дыхание в

музыке,

которое

бывает

коротким

или

более

длинным,

но

обязательно

длится

определённое время. Самый простой и эффективный способ преодолеть возникающее в

паузах напряжение и боязнь пропустить момент вступления – это проиграть звучащую у

партнёра музыку. Тогда пауза перестанет быть томительным ожиданием и заполняется

живым музыкальным чувством.

Играя в ансамбле, необходимо разумно распоряжаться динамическими

средствами. Надо исходить из того, что, как бы ансамбль ни был бы богат яркими по

тембру инструментами, одним из главных его резервов, придающих звучанию гибкость и

утонченность, является динамика. Различные элементы музыкальной фактуры должны

звучать на разных динамических уровнях. Как в живописи, так и в музыке ничего не

выйдет, если все будет иметь равную силу. В музыке, как и в живописи, есть передний и

задний план. Воспитав такое ощущение динамики, участник ансамбля безошибочно

определит силу звучания свой партии относительно других. В том случае, когда

исполнитель, в партии которого звучит главный голос, сыграл чуть громче или чуть тише,

его партнер немедленно среагирует и исполнить свою партию также чуть громче или

тише. Умелое использование динамики помогает раскрыть общий характер музыки, её

эмоциональное содержание и показать особенности форм произведения. Очень важно

научить совместному исполнению динамических оттенков. Для многих начинающих

участников ансамбля большой трудностью является определение градации собственному

звучанию в коллективе. Одним хочется играть громче всех, другим наоборот «Спрятаться

за спину». Поэтому необходимо воспитывать сознательно-творческое отношение к делу,

понимание роли каждой партии в данном произведении.

Особое место, в совместном исполнительстве занимают вопросы, связанные с

метроритмом. Он, по существу, выполняет функции дирижёра в ансамбле. Ощущение

каждым

участником

сильных

долей

есть

тот

«скрытый

дирижёр»,

«жест»

которого

способствует объединению участников ансамбля, а значит и их действий, в одно целое.

Ощущение

сильных

и

слабых

долей

такта,

с

одной

стороны,

и

ритмическая

определённость «внутри такта», с другой, вот тот фундамент, на котором основывается

искусство ансамблевой игры. Если при неточности исполнения остальных компонентов

снижается общий художественный результат, то при нарушении метроритма рушится

ансамбль.

В

ансамбле

ритм

должен

обладать

особым

качеством:

быть

коллективным.

Малозаметные иной раз в сольной игре ритмические недочёты в ансамбле могут резко

нарушать целостность впечатления, дезориентировать партнёров. Каждому музыканту

присуще своё ощущение ритма. Воспитание в учениках чувства коллективного ритма –

одна

из

важнейших

задач

ансамблевого

класса.

Наиболее

распространёнными

недостатками

учащихся

являются:

отсутствие

чёткости

ритма,

его

устойчивости.

Искажения ритмического рисунка (нечёткое его исполнение) чаще всего встречаются: в

пунктирном

ритме,

при

смене

длительности.

(Например:

восьмых

шестнадцатыми).

Хорошо, если один партнёр ритмически устойчив. В противном же случае задача ещё

более осложняется.

Работе над штрихами

в процессе которой происходит уточнение музыкальной

мысли, нахождение наиболее удачной формы её выражения уделяется большое внимание.

Лишь

при

общем

звучании

обеих

партий

может

быть

определена

художественная

целесообразность и убедительность решения любого штрихового вопроса. Одновременное

или

последовательное

произнесение

музыкальной

фразы

потребует

от

исполнителей

фортепианного ансамбля штрихов, дающих сходный по характеру звучания.

Работа

над

звуком

-

область

огромного

труда.

Еще

не

начав

совместного

исполнения,

нужно

договориться,

что

будет

показывать

вступление,

каков

характер

звучания, и с каким приемом и с какой силой будет начата пьеса.

Определение темпа произведения - важный момент в исполнительском искусстве.

Верно выбранный темп способствует правильной передаче характера музыки, неверный

темп в той или иной мере искажает этот характер. Хотя и существуют авторские указания

темпа, вплоть до определения скорости по метроному, темп «заложен» в самой музыке.

Еще Римский-Корсаков утверждал, что «музыканту метроном не нужен, он по музыке

слышит темп». Не случайно Бах, как правило, в своих сочинениях вовсе не указывал темп.

В пределах одного произведения темп может варьироваться. «Нет такого медленного

темпа,

в

котором

бы

не

встречались

места,

требующие

ускорения…и

наоборот.

Для

определения этого в музыке нет соответствующих терминов, обозначения эти должны

быть заложены в душе» (В. Тольба)..

При

четырёхручной

игре

за

одним

фортепиано

отличие

от

сольного

исполнительства начинается с самой посадки, так как каждый пианист имеет в своём

распоряжении

только

половину

клавиатуры.

Партнёры

должны

уметь

«поделить»

клавиатуру

и

так

держать

локти,

чтобы

не

мешать

друг

другу,

особенно

при

сближающемся

или

перекрещивающемся

голосоведении

(один

локоть

под

другим).

Исполнителю второй партии необходимо заострить внимание на гармоническом анализе и,

опираясь

на

гармонию,

нужно

учиться

мысленно

слышать

всю

музыкальную

ткань

произведения. Кроме того, исполнитель второй партии должен педализировать, потому что

вторая партия служит фундаментом произведения. При этом второй партии необходимо

очень внимательно следить за тем, что происходит в соседней партии. Слушать своего

товарища и учитывать его исполнительские «интересы». Это умение слушать не только то,

что сам играешь, а одновременно и то, что играет партнёр. Общее звучание обеих партий,

сливающихся в единое целое – основа совместного исполнительства.

Изучение

музыкального

произведения

для

ансамбля

может

дать

хорошие

результаты только при условии правильного представления о приемах работы над ним, в

основе которых лежит принцип поэтапно-последовательного разучивания.

Слаженность совместной игры в малом и большом, в отдельном приёме и в общем

замысле – особая сфера работы, присущая ансамблевым классам. Разделение нотного

материала на две партии обычно облегчает исполнение (ведь часть всегда легче сыграть,

чем целое), но иной раз и усложняет его. Возникает специфическая трудность: то, что

может быть сыграно без всяких затруднений двумя руками одного пианиста, становится

более технически сложным, если играется двумя руками двух исполнителей. Каждый из

них ощущает при этом непривычную неловкость, которая в процессе работы должна

пройти. Примеры элементарной техники ансамбля – это передача партнёрами друг другу

«из рук в руки» пассажей, мелодии, аккомпанемента, контрапункта. Пианисты должны

научиться «подхватывать» незаконченную фразу и передавать её партнёру, не разрывая

музыкальной ткани.

Третий этап работы над музыкальным произведением включает в себя:

- выявление целостности произведения;

- уточнение исполнительского замысла;

- подготовка к концертному исполнению.

Воспитание

у

исполнителей

ансамбля

способности

слышать,

охватить

все

произведение

в

целом

и

умение

исполнить

его

на

эстраде

—

важная

задача

на

заключительном этапе работы. Восприятие музыкального произведения всегда связано с

прослушиванием его в целом. В этом нам может помочь возвращение на ранние этапы

работы,

такие

как

повторное

прослушивание

в

аудио,

видеозаписи.

Это

позволяет

сравнить

свою

интерпретацию

с

трактовкой

великих

музыкантов,

обогатить

опыт

эстетического восприятия.

Пройдя предыдущие стадии работы над произведением, исполнители ансамбля

постепенно

достигают

самостоятельности,

овладевают

навыками

самовыражения.

Двигаясь

сначала

по

пути

подражания,

они

начинают

вносить

в

исполнение

свое

отношение,

что

позволяет

развивать

у

учеников

чувство

меры

и

прививать

художественный

вкус.

Исполнительская

яркость

является

признаком

несомненной

артистической

одарённости.

Она

свойственна

не

каждому

ученику,

но

развивая

это

качество, педагог может добиться определенных результатов.

Практика концертных выступлений показала, что яркость передачи музыкального образа

тесно связана с эмоциональной стороной исполнения. Зачастую, выучив произведение,

ученики не могут исполнить его с внутренней свободой, раскрыть образное содержание.

Большое значение имеет выбор концертного репертуара, где особенно важно жанровое,

фактурное разнообразие, яркая образность - все это способствует увлеченности данной

музыкой и самим процессом исполнения.

Эстрадное

выступление подводит итог всей проделанной работы. Очень важно,

чтобы исполняемое произведение стало для учеников любимым, приносило творческое

вдохновение юному музыканту. Яркое, эмоциональное исполнение всегда будет иметь

большое значение, а иногда может оказаться крупным достижением для учеников и для

педагога.

Уметь

настраивать

исполнителей

ансамбля

перед

концертным

выступлением,

вселять

уверенность

в

своих

силах,

а

после

выступления

отметить

положительные

результаты, проявляя при этом корректность в выражении критики — вот

проявление

профессионализма

педагога.

Роль

педагога

в

процессе

работы

над

музыкальным

произведением огромна. Участие его должно быть активно-творческим на всех этапах

работы.

В совместной работе, помимо коммуникативных качеств, формируются и такие

качества личности, как целеустремленность, воля, трудолюбие, дисциплинированность.

Сами по себе эти качества не появятся. Но они будут проявляться самым естественным

образом, если создать учебную ситуацию, в которой «один за всех, все за одного», «успех

или неудача одного есть успех и неудача всех». Таким образом, ситуация совместных

действий

по

достижению

результата

диктует

необходимость

личностных

изменений

(дисциплина, собранность, образованность) в пользу общего дела.

Итак,

фортепианный

ансамбль

как

предмет,

сориентированный

на

совместное

творческое

содружество

и

достижение

художественного

результата,

важен

в

общеразвивающем, воспитательном, этическом аспектах.

Занятия

фортепианным

ансамблем

способствуют

развитию

всего

комплекса

профессиональных

музыкально-исполнительских

способностей.

Развивается

музыкальный

слух:

мелодический,

гармонический,

полифонический,

динамический,

тембровый;

музыкальное

мышление,

музыкальная

память,

чувство

ритма,

творческое

воображение.

Обучаясь

игре

на

фортепиано,

учащиеся

наряду

с

целым

комплексом

сольных пианистических навыков овладевают приемами и способами работы над разными

видами совместного исполнительства: фортепианные дуэты, аккомпанементы, концерты.

Трудно переоценить роль ансамблевой игры в развитии творческих способностей детей.

Приобретенные за годы учебы навыки и умения игры в различного рода ансамблях

совершенствуют слуховые, ритмические и образные представления учащихся, а также

формируют

их

музыкально-эстетический

вкус

на

высокохудожественных

образцах

мировой музыкальной классики, воспитывают чувство партнера, обогащают кругозор,

учат воспринимать музыку осознанно.

Заключение

Целью работы детской

музыкальной школы

является общее и эстетическое

развитие учащихся, воспитание любви к музыке, подготовку к активной музыкальной

деятельности в самых ее различных формах.

Обучаясь

игре

на

фортепиано,

учащиеся,

наряду

с

целым

комплексом

сольных

пианистических навыков, овладевают приемами и способами работы над разными видами

совместного исполнительства: фортепианные дуэты, аккомпанементы, концерты.

Ансамблевая игра является не только одной из важных форм развития профессиональных

навыков

у

исполнителей.

Она

также

формирует

характер,

прививает

детям

чувство

коллективизма, товарищества, причастности к большому делу, пропаганды музыкальной

культуры.

Когда

учащиеся

впервые

получат

удовлетворение

от

совместной

работы,

почувствуют радость общего порыва, объединения усилий, взаимной поддержки - можно

считать, что занятия в классе дали принципиально важный результат.

Список использованной литературы

1. Г.Нейгауз, Об искусстве фортепианной игры. Записки педагога.

2. А. Готлиб , Первые уроки ансамбля.М.Музыка,1989.

3. Е.Сорокина, Фортепианный дуэт. История жанра – М.: Музыка,1988